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古典音乐风格特点有哪些

企业新闻 作者:amandarong 时间:2018-07-17 10:31:10 浏览量:7610 网民普遍认知程度:40% 来源:住范儿
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古典音乐 哪些 特点 风格
谈谈古典主义音乐风格是怎样的? 1、 情绪的对比:古典主义时期的音乐,情绪的丰富变化和对比获得了全新的强调。相对于晚期巴洛克音乐中单一情感的表达,古典主义作品中的情绪波动起伏。戏剧性、不稳定的音乐,可能导向一段轻快随意的舞曲旋律。主题的对比不仅表现在同一乐章中使用具对比性的不同主题,即使是一个单一特定的主题内,也可能存在明显的对比。2、 节奏:节奏的灵活性,给古典主义音乐增添了变化。古典作品包含了丰富的节奏模式,不同于巴洛克乐曲只有少数的节奏模式在全曲中反复出现。巴洛克作品表达出连续的感觉和永恒的运动。因此,在开始几小节之后观众就能大概知道整个乐章的节奏特性。但古典主义风格包括了出其不意的停顿、切分音,以及从长音到短音的频繁转换。而从一种长度的音符模式到另一种的改变,可能是突然的也可能是渐进式的。3、 织体:与晚期巴洛克音乐的复调织体相比,古典主义音乐基本上属于主调音乐。然而,织体的运用与节奏一样灵活,织体之间的转换有时平稳有时突然。一首作品也许以一条旋律和简单的伴奏组成的主调织体开始,但是随后可能转变为复杂的复调织体,含有两个旋律或旋律片断在不同乐器间模仿。4、 旋律:古典时期的旋律悦耳动听,且容易记忆。即使在一首非常复杂的作品中,也可能含有民谣或通俗的感觉,有时作曲家也会直接借用一些通俗的曲调。(如莫扎特以法国歌曲《哦!妈妈请告诉我》的旋律为主题,写了一首钢琴变奏曲《小星星亮晶晶》。)更多时候,作曲家根据流行的风格创作新的主题。古典主义音乐的旋律听起来较为平衡与对称,因为作品通常由两个长度相同的乐句构成。第二个乐句的开头与第一个乐句类似,但结束部分更具终止性。相反,巴洛克旋律较不对称,精巧复杂,比较不容易演唱。5、 力度与钢琴:古典主义作曲家对于情感表达的细微差别的兴趣,导致了渐进力度的广泛使用,如渐强与渐弱。这些作曲家不把自己限制在巴洛克音乐中常用的那种极端力度的改变(从大声到小声的突然转变),渐强与渐弱的力度改变,表现出令人震惊的新鲜感。在古典主义时期,作曲家对渐进力度的爱好,导致了钢琴取代了大键琴。钢琴家通过控制手指对琴健的压力,来控制声音的大小。虽然钢琴在1700年左右即产生,但直到1775年左右才开始取代大键琴的地位。海顿、莫扎特、贝多芬的大部分成熟作品都是为钢琴而作,而不是为大键琴、古钢琴及管风琴等巴洛克键盘乐器而写。6、 通奏低音的消失:通奏低音在古典主义时期被淘汰。在海顿与莫扎特的作品中,大键琴演奏者者不必再做即兴的伴奏。导致通奏低音消失的原因之一是越来越多的作品是写给业余爱乐者,而通奏低音所需要的即兴演奏技巧对他们而言有相当的难度。

古典主义时期音乐的特点?

古典音乐的特点是在正规的结构中构建音乐,所要求的创作手法严格、规整。
作曲家通常把乐句分得简洁而又规律,用一种可以预测的问答式进行,歌者的声音较为朦胧但却极富表情。
另一种流行的表演媒介是长笛(替代老式的和音色明亮的竖笛),人们特别欣赏它那优雅而柔和的色彩。
华丽风格也指舞蹈节奏的使用,巴赫等人在他们的键盘乐组曲中采用的外加乐章之一,即称为“华丽曲”(galanteries),它意味着常常使用一些固定的、短小的 旋律乐句,一如姿态优雅的鞠躬和礼仪。
另一个名词也来自法语galant(华丽风格),顾名思义是“华丽”,其实用于艺术风格,它的含义更要丰富得多。
首先是指欢乐,这是一种直率的、任性的欢乐:
感官的欢乐,它有别于道德的说教及 更深刻的艺术境界,也意味着一种优雅和尘世的趣味。
在音乐上它首先是流畅的旋律,摒弃了复杂的对位 手法;其旋律听来使人感到极为清晰,因为伴奏部分很清谈,通常用通奏低音(如羽管键琴)演奏固定的 音型或者很慢地进行,绝不会对旋律喧宾夺主。
华丽风格的乐曲最理想的表演媒介是人声,康塔塔或 歌剧选曲(最好是爱情歌曲)。
流行音乐和古典音乐表面上看是两种不同的音乐类型,它们有不同的音乐特点,不同的表现方式,其实最大的区别是他们的音乐组织方式不同。
古典音乐的组织讲究音乐的逻辑性,动机的统一性,音乐发展的连贯合理性等,最伟大的古典音乐中的每个音符就像宇宙中的星球,合理存在、互相联系、互相影响。
绝大多数伟大的古典音乐都有较长的篇幅,表达完整复杂的乐思。
舒伯特的《未完成交响曲》虽然形式上不完整,但是其内容完美无缺,作者及后人都无法为其拟补形式上的不完整。
古典音乐的严密逻辑性由此可见。

几个古典时期的音乐风格是?

从17世纪初的巴洛克音乐开始到现在,西方音乐的发展大致经历了这样几个阶段:
即巴洛克音乐时期,古典音乐时期,浪漫主义音乐时期,民族音乐时期,印象主义音乐时期,新音乐时期以及现代音乐时期,每一个时期都有其各自的风格特点,所以这每一个时期的音乐都可称为一种音乐流派。
巴洛克音乐 大致从17世纪初到18世纪中叶(约1600—1750年)‘巴洛克”一词是葡萄牙语“Barroco”的译音,原意为“畸形的珍珠”,引申为不规范、不完美。
通常所说的巴洛克时期是指欧洲文艺复兴后的一段历史时期, 特征:
这时的西方文化艺术风格较文艺复兴时期有了很大变化,文艺复兴时期的庄严、明净、均衡、和谐已不再取悦于人,而崇尚富丽堂皇、精雕细琢,注重精巧而华丽的装饰风格,即称“巴洛克风格”(因最初有人认为这是一种艺术的变质现象,故贬称为“巴洛克”,后来德国史学家韦尔夫林研究了这种风格特点,认为这是一种特定历史时期的艺术潮流,遂给予了肯定评价。
现称“巴洛克”仅是一种名称而已,不再合贬义),它最早主要体现在建筑、绘画。
雕刻等方面,后来由美籍德国音乐学家萨克斯首次引用到音乐领域,我们就把它称为“巴洛克音乐”。
代表人物:
这一时期的代表人物有我们熟悉的巴赫和亨德尔。
巴赫是~位复调音乐大师,正是在他的不懈努力下,巴洛克的复调音乐才发展到了前所未有的高度。
如他所著的两卷(平均律钢琴曲集)其中的四十八首前奏曲和赋格由,就是最杰出的代表作品,其各声部的对位法达到了出神入化的境地,被称为钢琴音乐的“旧约全)”。
亨德尔是巴洛克后期的意大利歌剧作曲家,毕生创作歌剧四十多部,其中尤以(尤利乌斯·凯撒在埃及)、(塔梅拉诺)等最为著名。
巴赫和亨德尔同为巴洛克音乐的集大成者,他们在这个时期起到了承前启后的枢纽作用,是值得世人纪念的。
巴洛克音乐时期由于乐器(特别是键盘乐器)的制作技术大大改进,演奏技术大大提高,从而使器乐得到了空前发展,第一次达到了与声乐并驾齐驱的地步,因此,它自17世纪以来,风靡了整个欧洲,是一个非常重要的历史时期。
古典音乐(Classice·Music)通常指18世纪到19世纪初的音乐,大致从巴赫到早期的贝多芬,这一时期称为古典音乐时期。
特征 巴洛克音乐后期从法国的哈普西科德演奏家库普兰开始(注:
哈普西科德为巴洛克时期的一种键盘乐器),巴洛克音乐风格逐渐发生变化,先前庄严宏伟的巴洛克风格变为华丽纤巧的洛克克风格,表清单一的巴洛克意识变为变化多端的动情风格,这两种风格后来都被吸收到古典音乐中去,因而古典音乐有匀称的形式美,体现人类普遍的理想与美的观念,得到世人的普遍喜爱。
直到现在,音乐会里这一时期的作品仍占有很大比例,因它经受了时间的考验,故习惯上又称为“经典音乐”。
代表人物 前期古典音乐(后期巴洛克音乐)以巴赫、亨德尔为代表,后期古典乐派又称维也纳乐派(维也纳是奥地利首都,是当时欧洲的音乐文化中心,也是古典音乐的发祥地),海顿、莫扎特、小贝多芬 是这个时期最具代表性的人物。
海顿是一位多产作曲家,他最大的贡献是将最初草创的交响曲形式加以完整和改进,毕生创作交响曲多达一百余部,创造了交响曲的典范,被后人尊称为“交响曲之父”。
莫扎特步其后尘,也写出交响曲四十余部,并作有大量 的协奏曲及奏鸣曲。
贝多芬是古典音乐后期的代表人物,在他的作品里,已有了本人感情色彩的渗入,如在他耳朵完全丧失听力后,加之恋爱上的受挫,使他陷入了极度痛苦,几近绝望,但他终于没有屈从于悲惨的命运,而是奋起与之抗争,这在他的第五交响曲(“命运”交响曲)中反映得尤为突出,从此开创了浪漫主义先河。
他是古典主义与浪漫主义之间的枢纽人物,被后人尊称为‘乐圣”。
其他古典乐派代表如格鲁士等。
浪漫主义音乐《Romantic·Music)盛行于19世纪,这是一个划时代的音乐时期,它的伟大在于完成了共性到个性的转变,打破了传统形式,不拘于曲式的统一,强调作者的主观意识,往往比较注重表达个人的思想感情,自我意识较强,不同的作者都有其不同的风格,是一种个性化的、理想化的、富于诗意的、感情重于理智的音乐,如果说巴洛克音乐和古典音乐是叵映了共性的话.那么浪漫主义音乐突出的则是个性。
分类 欧洲的浪漫乐派可分为三个时期:
即早期(1820—1850)、中期(1850—1890)和后期(890—1910)早期浪漫派音乐 主要以钢琴小品和歌曲为主,代表人物如舒伯特、韦伯(他被认为是德国浪漫主义歌剧的创始人)、柏辽兹。
门德尔松、舒曼和肖邦等。
中期浪漫乐派音乐家因受资产阶级革命失败的影响,所以更加热衷于发现个人的主观情绪,个性化非常突出,创作体裁也有所拓展,如交响乐、交响诗、协奏曲等,代表人物有李斯特、瓦格纳弗兰克、布鲁克纳、布拉姆斯、柴科夫斯基等人。
后期浪漫乐派受到瓦格纳的影响,在音乐的配器和和声配置卜都有了很大提高,这一时期的代表人物主要有沃尔夫、马勒(GMahler)、施特劳斯(R.Strauss)等人。
民族乐派(National·Music)近百年来,各国各民族都有民族音乐的复兴,民族音乐是和浪漫主义音乐一样,都具鲜明个性的音乐流派,所不同的是民族乐派的个性表现为民族性,它在继承了浪漫主义音乐自我意识强,不拘一格特点的基础上,将它拓展为民族性,用本民族民间的体裁形式,或直接采用民族民间音乐素材进行创作,反映本民族的历史和民族风情,描绘人民的风俗生活,歌颂自己的祖国家乡等,为本民族的人们所喜爱。
代表人物 俄国的格林卡,他的歌剧《鲁斯兰与柳德米拉)就是以俄国大诗人普希金的同名诗为素材而创作的,具有浓郁的俄罗斯风格。
民族乐派早期的代表人物还有波兰的莫纽什科、希曼诺夫斯基等。
后期如挪威的格里格仅.、芬兰的西贝柳斯和我们熟悉的西班牙的阿尔四尼斯、法雅、格拉那多斯、罗德里格等人,到此为止,欧洲音乐的发展已进入了一个全新的,百花齐放的历史时期。
印象定义音乐(Impressionism·Music)是指19世纪末20世纪初与印象主义运动同时期的音乐风格,印象主义音乐注重追求的是气氛和色彩,而不用平铺直叙的方式,它力求摆脱浪漫主义的主观情感表现,刻意创造出一种股股俄俄、恍恍溜溜对k朔迷离的音乐氛围来暗示其内容,旋律也趋向片段性,配器上力图精致纤细,着意于表达感觉中的主观印象,创作题材常取自诗情画意及自然景物代表人物如法国的德彪西,他在1892年创作了管弦乐序曲(牧神午后).从而确定了印象主义音乐的地位,其他代表人物有拉威尔、杜卡、戴留斯等。
新音乐:
新音乐是统指20世纪初继印象主义音乐以后发展起来的新型音乐,主要有表现主义音乐和新古典主义音乐。
表现主义音乐:
表现主义音乐是20世纪初与表现主义绘画同步的音乐艺术,表现主义强调直接表现人的心灵世界和心灵所见的各种姿态,是以表现主观的自我为主,与表现客观自然景物的印象主义有区别,代表人物是勋伯格(A Schoenberg),他还是无调性音乐的创始人,著有(钢琴组曲)(192)、(五首钢琴曲)(192)等无调性音乐作品,他的学生帕格和威伯恩也是表现主义的代表人物。
新古典主义音乐:
它以浪漫主义手法继承古典主义形态,盛行于本世纪20年代末,它主张音乐创作应该“返朴归真”,保持它的客观性和严肃性,最具代表性的人物是俄国作曲家斯特拉文斯基 ,他的舞剧音乐(艺神的主宰阿波罗)、《仙女之吻)、(圣传交响曲》和(钢琴协奏曲)在音乐上都是模拟了巴洛克音乐风格,而在创作手法上则运用了现代技法,从而形成了一种新型的古典音乐风格,其他代表人物如普罗科菲耶夫、布索尼、普朗克、圣一桑、威廉士、鲁宾斯坦、欣德米特、肖斯塔科维奇等。
20世纪特别是20世纪20年代的音乐,反对19世纪末、20世纪初的过分夸张,多愁善感的浪漫主义音乐、新古典主义音乐强调织体清晰、配器恬淡、意态冷静。
现代乐派 随着电子、音响、数学等科学技术的发展,而出现了序列音乐、电子音乐、空间音乐、机遇音乐、偶然音乐、具体音乐等等。
代表人物有巴托巴、威伯恩、葛罗菲、斯托克豪森、哈恰图良等。
纵观欧洲音乐的发展史,浪漫乐派以前的音乐,大都遵循了音乐创作的一般规律,因而显得比较规正,而从浪漫乐派开始至以后的音乐,则显得比较自由。
它是一个从规正到自由、从共性到个性的发展过程。

古典音乐有什么特点

分为中国古典乐和欧洲的古典乐。
中国古典乐主要是1、乐器是中国古典乐器;2、乐谱是古乐谱;3、音乐意境讲究中正平和。
对于古人来说,无论是音乐、绘画还是文章,都是个人修养、情操的体现。
所以音乐也是体现“君子”之声。
欧洲的古典乐和现代乐的区别我觉得主要是体现在节奏和音律上。
古典乐比较符合规则。
一家之言,不值一哂。

中国古典音乐都有什么特点?

我想中国的古典音乐讲究的意境,是用心来慢慢的体会的,不能一蹴而就。
西方的古典音乐讲究的是震撼!是快乐,即使不懂音乐的人也能粗略辨别音乐的好坏。
有人说中国古典音乐就像打太极拳,外国古典音乐就像做广播操中国音乐讲究的是神韵,有内涵 外国音乐讲究的是节奏,有动力 其实,中国古典音乐的独特魅力,并不一定要用民族乐器来体现,也并不是来了一把二胡,就成了中国风的。
中国古典音乐的特点,在于它的婉转、沉静、悠扬、欲所还休。
有人说中国古典音乐就像打太极拳,外国古典音乐就像做广播操中国音乐讲究的是神韵,有内涵 外国音乐讲究的是节奏,有动力 中国的古典音乐讲究的意境,是用心来慢慢的体会的,不能一蹴而就。
西方的古典音乐讲究的是震撼!是快乐,即使不懂音乐的人也能粗略辨别音乐的好坏。

古典钢琴音乐的特点

典主义时期在钢琴艺术史中是一个核心时期, 它传承了巴洛克时期的理性, 预示了浪漫主义时期的情感。这时期的钢琴音乐更是理智和情感的高度统一; 深刻的思想内容与完美的艺术形式的高度统一。它以其真挚的感情、朴实的语言、理性的步伐给我们留下了深刻的印象。
一、在审美思想方面(一) 博爱主义理想下的世界主义思想18 世纪爆发了启蒙思想运动, 众所周知, 启蒙运动对思想领域的进步, 起到了举足轻重的促进作用。启蒙思想的主题就是“平等、自由、博爱”。它启发人们反对封建传统思想和宗教的束缚, 提倡思想自由和个性发展。博爱主义的理想是希望全人类的人们互相间都成为兄弟姐妹, 这种理想迅速遍及欧洲, 许多统治者们不仅赞助、保护艺术和文学, 而且也热衷于社会的改良。如诗人歌德以及作曲家们, 莫扎特的《魔笛》、施莱尔的《欢乐颂》及贝多芬的第九交响曲等,都是博爱主义的硕果。博爱主义的广泛传播自然而然的带来了世界主义, 18 世纪是世界主义的年代, 国家间与民族间的差别与人类共同的人性相比, 被极度地轻视了, 1952 年奎恩慈在柏林试图创作一种理想的音乐—能汇集人类各民族音乐特点的音乐, “一种理想的音乐不应当只被一个民族所理解所接受, 应为许多民族所共享, 它必须是基于理性与情感表达的, 是超越一切争论的佳作”。1785 年咖贝农宜称“今天欧洲只有一种语言,是我们大陆的普遍语言———它只能是音乐”。音乐打破了局域的限制, 成为了一种世界语言。(二) 崇尚自然、淳朴、充满激情又合乎理性的审美理想18 世纪上半叶, “启蒙运动”在文艺复兴时期提倡的“反对神权”的人文主义(即以人为本, 尤其是以个人的兴第29 卷第3 期 怀化学院学报 Vol1291No132 0 1 0 年3 月 JOURNAL OF HUAIHUA UNIVERSITY Mar . 2 0 1 0趣、价值观和尊严作为出发点) 基础上, 进一步提出了反对君权的口号, 提倡回归自然, 崇尚人的理性思考, 西方音乐从此由巴洛克时期转向古典时期。“回归自然”将人民引领到一个淳朴的思想境界。要求作曲家们在写作时尽量去除多余的修饰和繁琐的进行, 恢复到自然般淳朴、简洁的状态。使人一目了然, 易于理解。这一时期的钢琴音乐在内容上用人文主义代替了宗教性, “人”代替神成为作品的主角, 音乐尊重人的理性, 众多作曲家们的天才与个性得到了自由展现。音乐作品开始追求客观的美, 摆脱了对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋, 着重描绘自然界中的人。音乐家们对这种客观美的追求不是随意的, 也不是自己私人的主观表现,而是以一种理性的姿态表达了他们对平等、博爱、自由的资产阶级理想的追求和强烈的自信精神。但这种理性并不等同与中世纪的禁欲主义, 它是一种情感上的理性控制, 理性分析, 但同时, 这种理性中又充满了激情。特别是贝多芬的作品, 洋溢着火一样的热情, 显示出“第三等级”、市民阶层情感世界中特有的博爱精神和民主意识。[2 ] 如贝多芬的《热情》《悲怆》奏鸣曲等都表现了一种崇高的情感。
二、在创作原则上: “适当的比率”和自然平衡的原则18 世纪后半叶的欧洲, 思想上和政治上都发生了巨大的变革。当时兴起的启蒙运动提出反对君权, 反对封建君王特权的口号, 提倡回到自然、合乎人性和崇尚人的理性思考。在这种资产阶级启蒙精神的影响下, 所有创作都信奉一种“适当的比率”和自然平衡的原则, 即无奇特或标新立异,而是遵循规范的原则。[1 ]力图冲破宗教、历史、宫廷的局限,达到“返回自然”的和谐状态。因此, 作曲家们在考虑音乐创作的时候基本上都遵循这一概念, 如能使听众明确音乐进行的调性间平衡、段落之间的平衡等等。
三、在创作手法方面有以下几个特点(一) 以明晰的、和声形式的旋律为主体的主调音乐18 世纪后半叶的欧洲, 人们在资产阶级启蒙精神的影响下发生了重大改变: 新兴市民阶层要求艺术作品的体裁冲破宗教、历史、宫廷的局限, 去表现日常生活事件和普通人的感情, 并要求艺术表现手法通俗易懂。在风格上, 人们刻意反对过于严肃的巴洛克音乐, 倾向于轻松、愉悦的主调音乐。在崇尚自然、淳朴, 充满激情又合乎理性的审美理想的指导下, 明晰的旋律从以前多声部的复调形式中解放出来:以往不分主次、几条旋律线同时并行的复调织体, 改变为以旋律线为主、其他声部作陪衬的主调织体; 以往连绵不断地模仿一个主题核心的复调结构, 改变为整齐均匀、句读分明的主调结构; 以往繁缛花巧、装饰性很强的复调风格, 改变为简洁、晶莹剔透的主调风格。[3 ] 这种主调音乐大多都旋律清晰, 虽然偶尔会有较为厚重的和声进行(如贝多芬第16奏鸣曲) 。但在和声中我们还是能找到突出的旋律高音。同时, 这时期的旋律还有一个小的特点, 那就是它大多是和声形式的, 即旋律的进行包含在功能和弦内。如贝多芬《f 小调奏鸣曲》的第1、3、9 等小节运用了都是规整的三和弦, 再如莫扎特K457 第一乐章第1、5 等小节, K330 第5、6、9、10 等小节也是运用了重复音的规整三和弦。(二) 清晰的功能性和声语言古典时期的大小体现已经确立, 功能和声体系也得以完善。当时的和声主要以“主———下属———属———主”的方向进行伴奏, 非常规整, 很少使用和弦外音。和声的进行和走向也都是非常清晰, 作曲家们在考虑和声进行时大多遵循了“自然平衡原则”这一基本概念, 有种和声间的平衡感, 给予听众明确的感觉这音乐如何进行。当时最常见的和声织体形式就是块状和弦以及“阿尔贝蒂低音”音型。这种方式的和声编配使得旋律凸显出来, 也得到了大大的简化, 非常符合启蒙运动“返回自然”的思潮。和声功能体系的成熟使得和声成为旋律的最佳背景。(三) 均衡、规整的结构这种“适当的比率”和自然平衡的原则还体现在结构段落方面。与巴洛克时期复调音乐不同, 古典主义时期的音乐结构更加方整, 更加均衡。大多数古典主义乐曲都是建立在“4 + 4”的乐句结构上。即四小节为一句, 第二乐句是同样四小节的平行乐句, 八小节为一个乐段(如莫扎特K282 第一乐章、贝多芬的《f 小调第23 奏鸣曲》) 。当然也有少部分是以“8 + 8”的乐句结构。这些都是非常方整的, 而两个方整的乐句构成对比就是“单二部曲式”(AB) ; 后面再加上再现, 就是“单三部曲式” (ABA) 。如果每个部分本身再扩大为一个单三部曲式“ (A (aba) + B + A’ (aba) ’) ”, 就是复三部曲式。当然, 小节数不是呆板的, 可能扩大或缩小。[3 ]如贝多芬《f 小调奏鸣曲》(作品2 之1) 第一乐章主部就是8+ 12 的结构, 其中第二乐句12 就是8 小节的扩大。虽然有小幅度的小节数滑动, 但并不妨碍乐曲总的结构的均衡性。(四) 音阶、琶音线条式的句法该时期又一大特点是经常运用音阶和变化的琶音形式来作为旋律或经过句。音阶和琶音成为旋律的一部分, 而很多旋律的连接、调式的转换也都是用音阶来过渡。如莫扎特K330 的12、14 小节; 贝多芬第八奏鸣曲的4、10 小节; 第七奏鸣曲98 - 113 小节; 第十六奏鸣曲30 - 45 小节等, 都大量的运用了音阶(或半音阶) 和变化琶音式的快速跑句作为音乐的过渡。使得旋律衔接的非常自然、流畅。(五) 以“对比原则”为主的古典奏鸣曲式占优势, “说话原则”成为快板乐章表现歌唱性的要求古典主义时期器乐音乐的发展成绩比较显著的是它完善了一些器乐的大型曲式: 独奏奏鸣曲、室内乐、协奏曲、交响曲等。但在钢琴领域, 最重要的就是奏鸣曲。奏鸣曲经过海顿、莫扎特、贝多芬的改善, 不断的完善起来, 成为应用得最多的曲式之一。奏鸣曲式在音乐表现上的主要特点在于有两个相互对比的主题, 以及由此引起的展开, 最后要有主第29卷第3期 宋彦斌:“理智与情感的碰撞” ·113 ·题的再现。对比和展开极大地增加了音乐的表现力。而这种对比原则间接的来源于喜歌剧。18 世纪20 年代, 在意大利形成了一种新的歌剧形式———喜歌剧。这种形式的歌剧以取悦观众为目的, 以风趣、幽默的形式进行表演。由于它的通俗化趋势, 使其很快在欧洲流传开来。这一时期钢琴音乐的风格深受这种喜歌剧的影响。作曲家们认识到, 钢琴不仅要塑造自然界的音响形象,还要模仿歌剧中人物的唱歌和说话, 特别是模仿表现普通人情感的说话和唱歌。[4 ] 旋律的歌唱性和宣叙性应运而生, 由于这两种旋律性质呈对比关系, 因此建立起“对比原则”和“说话原则”。即在旋律上、结构材料上既有对比, 又有对话, 从而使音乐更加丰满, 生动有趣。这种“对比原则”随着奏鸣曲式的完善而更加清晰。而“说话原则”在莫扎特、海顿作品的旋律中表现的尤为突出, 在贝多芬作品中则幻化成内在情感的“说话”, 而不是旋律语言的“说话”了。贝多芬的旋律大多不适合唱, 作品的情感大多在心里, 情感上有明显的对比, 类似于一种精神的对话, 将“说话原则”表现得更加内在。
四、在钢琴演奏风格上的特点(一) 有明确标记且稳定而匀称的速度由于信奉“适当的比率”和自然平衡的原则, 以及其均衡方整的结构, 所以乐曲的速度要匀称。古典时期的演奏速度比巴洛克时期有很大的提高, 这也是主调音乐发展的必然结果。速度标记也顺势出现, 每个速度的更改都注明了。如贝多芬第十七奏鸣曲就有不同的速度换动, 然而在换动前都有清晰的速度记号标明。速度开始往两头扩张, 贝多芬的快板乐章比海顿、莫扎特又快的多, 一般介于一分钟120 - 126之间; 而表现力深刻的慢板乐章往往更慢。[5 ] 但当前的总趋势, 却是快乐章不要弹的太快, 慢乐章不要弹的太慢。古典音乐中也有自由节奏和华彩段。这些地方可以自由发挥, 我们要十分小心的运用渐快减慢延长自由等节奏修饰手段, 但绝不能演奏得象浪漫主义音乐那样。古典主义只能在很小的尺度内使节奏有所松紧, 掌握好适当的、有限度的尺寸是非常主要的。总之, 演奏古典主义作品速度要有定量, 在整体上要贯穿相同的、稳定的、匀称的速度, 不要忽快忽慢, 不要渐强时快, 减弱时慢, 充分保持统一的速度, 不要夸张,不要过分, 不要弄巧成拙。[4 ](二) 丰满而有控制的力度当时的所有作品几乎都是在“对比原则”下进行, 在音量上充满了对比, 如贝多芬第十一奏鸣曲第一乐章, 就有14个p , 11 个pp , 4 个fp , 17 个f , 61 个sf , 13 个ff , 其中还有很多渐强、渐弱等, 这么多的力度变化, 使得音乐变得异常丰满, 但这种丰满并不是现代概念上的丰满, 而是有控制的。这种控制是建立在当时的制琴技术之上的。古典主义前部分还是使用大键琴或翼琴, 至1709 年才产生第一台现代意义上的钢琴, 音量和音区都得到了扩展, 不过由于当时制琴条件有限, 其力度比现代钢琴整整低了一个等级, 如古典时期的ff 等于现代钢琴的f , p 等于现代的pp 等等。所以在演奏古典主义的作品是要将力度控制在pppp 到f 之间。因此即使在演奏音响最宏伟的贝多芬奏鸣曲时, 也得有所保留, 这样才能还原到作曲家真正赋予的音响效果。此外我们还要区别作品的年代, 分清哪些是为大键琴或翼琴而作, 哪些是为钢琴而作的。大键琴或翼琴作品的音量要控制得轻, 变化不宜太多, 而为钢琴而作的作品则在音量上有所提高, 但不可弹得太洪亮, 声音间延续不宜过长等。总之, 考虑到当时的钢琴特点, 我们在弹奏古典主义音乐时, 既要鲜明, 又要恰当, 避免过分, 切忌夸张。掌握好风格限度与分寸感觉, 不要弹的太响。(三) 以“指力派”为主, 以身体式弹奏为发展趋势的弹奏方法说到这个时期的钢琴演奏方法, 那么我们不得不追溯到巴洛克时期巴赫的触键———弗尔凯尔曾记载: “巴赫的运指方法几乎是漫不经心地轻微动作, 无论怎样难弹的经过句都是用那种自然的手型, 手不离开键盘, 只用第一关节来弹动, 即使弹奏颤音, 也只是一个手指的颤动, 而且他的手指不过是随着微微抖动而已。身体的其他部分是完全不动的。”就是这种只用手指动作的弹奏奠定了钢琴古典主义弹奏法的基础。这种弹奏都是用指尖触键, 在重量弹奏法产生后, 被统称为“指力派”, 这也是古典主义时期的独特风格。[6 ] 但万事万物并不是一层不变的, 由于钢琴制造业的发展, 钢琴的质地发生了改变, 出现了声音宏大的槌子琴, 这种大音量并不是手指能发挥出来的, 必须用上身体的配合, 在莫扎特晚期, 海顿的最后五首奏鸣曲, 以及贝多芬第七奏鸣曲之后的钢琴作品都是用身体式的弹奏, 这种弹奏方法成为浪漫主义的先驱。总而言之, 古典主义时期键盘音乐特点简单概括起来就是: 理智和情感的高度统一; 深刻的思想内容与完美的艺术形式的高度统一。创作技法上, 继承欧洲传统的复调与主调音乐的成就, 并确立了近代奏鸣曲曲式的结构体裁和形式。它冲破了传统的枷锁, 使新的钢琴音乐得以重建, 创作了钢琴艺术史上光辉的一页。
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